Nuestra Señora de la Blanca. Pórtico del Juicio Final, catedral de León, siglo XIII

• Escultura de bulto redondo, realizada en mármol.

• Pertenece al parteluz de la fachada occidental de la catedral de León, siglo XIII.

• La imagen se presenta como madre de la cristiandad, sin la rigidez del Románico, con mucha más humanidad.

• Su rostro deja de ser hierático para esbozar una leve sonrisa de bondad y ternura. También el niño aparece mucho más humano, con una sonrisa en la boca y la mano levantada en acto de bendecir y con la bola del mundo en la otra.

• Todo el conjunto pierde verticalidad. La Virgen presenta una contraposto que arquea su cuerpo suavemente y hace que los pliegues de su vestido caigan en diagonal. También en estos pliegues se aprecia una evolución con respecto al estilo anterior, dándoles un mayor realismo. Todavía se observan detalles que nos recuerdan que la imagen es de un gótico incipiente, como los ojos almendrados del niño.

• En definitiva, La Virgen Blanca de León significa una etapa importante en este proceso humanizador que arranca en el último Románico y desemboca en el Renacimiento y que afecta tanto a la arquitectura, como a la escultura y la pintura: los dioses, sin dejar de serlo, se acercan a la naturaleza humana para ser mejor comprendidos.

• La escultura pertenece a La Puerta de la Virgen Blanca, también denominada del Juicio Final, presenta dos vanos, con una imagen de la Virgen en su parteluz que sustituye al “Cristo Majestad”

• El tímpano presenta la escena del Juicio Final, presidido por “Cristo Juez”, imágenes de San Juan Bautista, ángeles con los símbolos de la pasión, San Miguel pesando las almas y otros temas evangélicos.

David de Donatello

David, Donatello, siglo XV. Museo Bargello, Florencia

• Renacimiento Italiano

• Siglo XV

• Autor: Donatello

• Escultura exenta, realizada en bronce

• Representa a David (muy joven) que después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada

• David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus manos la espada de Goliat y la honda con la que le dejó inconsciente

• Donatello muestra un David enseñando un cuerpo suavemente articulado, en armonía y movimiento sensual, de connotaciones praxitelianas; se desvincula de lo convencional para adquirir un sentido más dinámico

• El tratamiento general es sobrio, pero la sencillez del desnudo se rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (in candelieri)

• Donatello rompe con este ejemplo el punto de vista medieval: Rey - Héroe

• El tema de David es un clásico en el arte italiano y varios artistas aportaron sus propios puntos de vista:

• Verrocchio: Muy descarado y audaz, que además lo presenta vestido

• Miguel Ángel: Símbolo de la tensión en el instante previo al estallido

• Bernini: Barroco, lo presenta en el momento fugaz e imposible en que dispara su honda

Las tres gracias - Rubens

Rubens, Las tres gracias,

1635, Museo del Prado

• Las tres Gracias eran vírgenes puras que vivían con los dioses, asistían a los banquetes y despertaban la alegría de vivir. Estaban al servicio de Afrodita, la diosa del amor y nunca conocían el aburrimiento.

· Rubens las representó junto a una fuente, bajo una guirnalda de flores y ante un fondo de paisaje. Las figuras están inspiradas en la escultura clásica, visible en la intención de reproducir la frialdad del mármol en sus carnes. El ritmo circular y la elegante ondulación son características habituales en el artista, aspectos que se unen a las formas grandilocuentes y los colores cálidos que incorpora el pintor en las obras de sus últimos años.

• La figura de la izquierda está directamente inspirada en la segunda esposa del artista, Helène Fourment. La obra pintada poco después de su matrimonio evidencia la felicidad vital del artista que se traduce en la sensualidad de sus pinturas de este momento. Permaneció en poder del propio pintor hasta su muerte en 1640, siendo después adquirida para Felipe IV y llevada a España.
• Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Parecen más bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas “Cháritas” de la Mitología helénica. Aparte de estas tendencias realistas, la composición del gran artista de Flandes destaca por la elegancia con que están agrupadas las tres figuras y por el gran conocimiento que demuestra en el moldeado de las carnes que por su morbidez y frescura aparecen palpitantes. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado por un árbol a la izquierda y una cornucopia dorada a la derecha, de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima.
• A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales pastando.
• Las tres Gracias es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo sobre tabla

La ronda de noche

Rembrandt, La ronda de noche, 1642

· Fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros de Amsterdam para decorar el Cuartel General de la Guardia Cívica de dicha ciudad.

· Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa.

· El pintor representa el momento en que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente Van Ruytenburch. Aparecen 16 soldados, llevando banderas, mosquetes, alabardas, tambores. Vemos también otros personajes: tres niños corriendo y un perro que ladra, añadidos por el pintor para animar la escena.

· La composición es muy compleja, aparentemente desordenada. Presenta al grupo de forma espontánea y libre, captado en un instante, como si se tratase de una fotografía. Hay una enorme animación y ruido, cada uno hace cosas distintas, en las más variadas actitudes y posturas, con movimiento vivo. El centro de la composición lo forman el capitán y el teniente, organizándose el resto en grupos triangulares, con un movimiento curvo. Unas figuras son muy visibles, pero otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos sus cabezas. Los personajes están colocados en cuatro planos de profundidad; existen multitud de líneas, con predominio de las diagonales y el zig- zag para dar dinamismo.

· La luz: es la auténtica protagonista, la utiliza para componer el cuadro. La técnica es tenebrista, por influencia de Caravaggio. El pintor está preocupado por el claroscuro.

· El color: es muy rico, lleno de contrastes y matices. Destacan el brillante amarillo del traje del teniente, con un fajín rojo anaranjado, frente al negro del traje del capitán en el centro del cuadro. Predominan los tonos cálidos, dorados.

· El dibujo: Rembrandt pinta sin apoyo del dibujo que pierde importancia frente al color.

· Estilo: observamos todas las características típicas del Barroco: composiciones llenas de movimiento y dinamismo, con predominio de líneas diagonales y curvas; colorido rico y variado, con un color que unifica el cuadro (el dorado); contrastes de luces y sombras; desvalorización de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión (lo más iluminado es lo que menos percibimos, como la enigmática niña), etc.

· Significado: el pintor convierte un acontecimiento normal de la vida holandesa en un hecho grandioso. Mezcla el retrato colectivo con el cuadro de historia y realiza una auténtica revolución, tanto por la disposición novedosa y atrevida de los retratados como por su técnica fabulosa. Rompe con las convenciones del retrato de grupo. Rembrandt ordena a los retratados no por su jerarquía sino por razones plásticas, supeditando sus intereses particulares a la unidad de acción. La mayoría de los retratados se quejaron porque todos no aparecían claramente ni mostraban con precisión el rango que poseían. El pintor demuestra su libertad de espíritu y su modernidad.

· El pintor y su época:" La ronda de noche" está considerada la obra maestra de Rembrandt máxima figura de la Escuela Holandesa de pintura barroca y genio universal .